Трава, присыпанная пудрой
В столичной галерее “Хас Санат” проходит выставка французского художника Альтона Мишино “Между небом и землей, светом и тенью”. Творчество французского художника Альтона Мишино родилось более 25 лет назад в период изучения китайской каллиграфии - при Ассоциации франко-китайской дружбы и в особенности ее так называемого “травяного стиля”, где иероглифы деформируются в зависимости от поэтического значения текста, которое они передают.
Окончив высшую национальную школу искусств в Париже по специальности “Монументальная живопись” в мастерской Оливье Дебре, он сумел принять участие начиная с 1986 года в более тридцати выставках по всему миру: от Парижа до Нью-Йорка и от Москвы до Пекина. Кроме того, мэтр по праву гордится совместной выставкой с Пьером Сулажем L’art chez soi, а также выставкой, что была организована в рамках Года культуры Франции в Запретном городе в Китае.
Сегодня, по его собственному признанию, Альтон Мишино продолжает экспериментировать в области чувствительной экстраполяции знака и мазка, смешения спонтанной неоабстракции и традиционной восточной композиции, он в поиске минималистской эссенциальности написанного жеста. Можно даже сказать, что в его творчестве сопоставляются техники таких абстракционистов, как Роберт Мазеруэлл, Франц Клин, Сэм Фрэнсис или Пьер Сулаж, которые, объединяясь с традициями дзен-художников, образуют самобытную красочную выразительность, в которой “сверкание и неподвижность захвачены двойной игрой равновесия”.
“Каждая из моих картин - это поэзия в движении. Чтобы ее понять, глаз того, кто на нее смотрит, должен раствориться в ее движении, ее ритмах, ее то неистовых, то обволакивающих акцентах, слиться воедино и даже потеряться в этом проекционном пространстве”, - говорит Альтон Мишино. Вместе с тем художник разработал так называемую смешанную технику, где использует наряду с традиционными художественными материалами металлическую пудру из бронзы и серебра. Он сам придумывает инструменты для своей живописи: грифель, бумага, кусочки цинка. Ну а со стороны зрительного восприятия полотен в форме своеобразных навесных мостов с субтильной прозрачностью у него по-прежнему все та же цель: открыть небо.

Портрет мегаполиса
В столичном Музее современного искусства проходит поистине летняя выставка по итогам пленэра 22 художников из Астаны, Алматы, Кызылорды и Тараза, которые представили на суд ценителей прекрасного 38 этюдов.
Художники в создании нового облика города решили применить разноплановые композиционные приемы, при этом все работы отличаются своеобразными цветоколористическими особенностями, сюжетными линиями и различными динамичными и статичными формами, в них наблюдаются свежесть и чистота красок, “не замученная” фактура. Также в них присутствует и импрессионистическая трактовка образов из сиюминутных впечатлений, которые художники получили от панорамного вида города с различных точек зрения: это микрорайон “Самал”, набережная реки Ишим и жилые комплексы с неповторимыми архитектурными формами. Особый притягательный шарм исходит от этюдов с прогулочными теплоходами, которые “оживили” статичный стан города и придали динамику образу столицы.
В завершающей стадии пленэра художники работали над созданием образа новых объектов: Национального музея Республики Казахстан, нового жилого комплекса “Гранд Астана”, административного здания KEGOK в стиле хай-тек, мечетью “Хазрет Султан”, которые органично вписались в композицию площади с центром монумента “Қазақ елi”.
Также в изображении новых объектов особой теплотой и притягательностью отличились полотна художников - мэтра казахстанского изобразительного искусства Марата Туксаитова “Хазрет Султан”, художника Примбаева “Музей истории Казахстана”, Кажекенова “Городской этюд” и Байгалиева “Новый город Астана”. Зато в работах Ярослава Антонюка панорамный образ города был передан с соблюдением всех академических требований реалистично и достоверно. В классической манере изображена столица в этюдах Ларисы Жанпеисовой.
Ольга Шишанова
 
Искусство образов
В алматинской галерее Arvest продолжается персональная выставка Абдуахата Муратбаева “Река жизни”, которая отражает творческие поиски и интересы автора. Многие композиции художника Муратбаева отражают самые незатейливые по сюжету композиции, однако они повествуют о главных ценностях человеческой жизни: молодости, любви, красоте природы, взаимоотношениях между людьми.
Как отметила искусствовед Екатерина Резникова, большинство изображений в произведениях Муратбаева сводятся к лаконичным знакам, подобным элементам казахского орнамента.
- Живопись Муратбаева ассоциируется с прикладным искусством не только по формально-содержательному принципу, но и по характерной для художника специфике работы с поверхностью холста. Некоторые работы отсылают к стилистке гобелена, где живописные штрихи-“стежки” создают поверхность, напоминающую шерстяное плетение. Многие работы или их фрагменты строятся локальными живописными плоскостями, похожими на традиционное лоскутное шитье - курак.
Орнаментальные мотивы проникают в структуру живописных произведений как в виде основных персонажей, так и в виде дополнительных включений, которые являются неотъемлемой частью авторского цветового повествования. Линии, пятна, декоративные фрагменты в своем соотношении задают определенный строй и ритм живописи, - поделилась искусствовед.
Также множество произведений Муратбаева изобилуют не только орнаментными знаками, излюбленные темы художника - изображения быка и коня. Как объяснил сам автор, животные образы являются для него воплощением внутренней силы и мощи. В живописных работах автора в изобилии встречаются темы, посвященные красоте и грации женщины: прекрасная и воинственная Томирис, нежная юная дева с флейтой, музыкальное настроение которой зритель замечает невооруженным глазом.
Малика Дауылбай