Парад галерей: критик - художнику

Зитта Султанбаева

В Центральном выставочном зале завершилась выставка “Живопись и графика Казахстана. Новейшие тенденции”, организованная дирекцией выставок и аукционов комитета культуры МКИОC совместно с Союзом художников РК.

Куратор проекта искусствовед Камилла Ли пригласила к размышлению за круглый стол своих коллег, критиков и самих художников. Неожиданно для всех состоявшаяся беседа получилась очень живой и конструктивной, несмотря на небольшое количество участников.

Мне хотелось бы поделиться своими наблюдениями за всем происходящим сейчас не только на выставках Союза художников, но и в галереях города.

После того как “Парад галерей”, ежегодно проходивший в стенах музея изобразительных искусств имени А.Кастеева, незаметно списали на нет, исчезло стремление как самих художников, так и галеристов искать свое, кровное отличие от “другого”.

Вместе с тем и новейшие тенденции словно выпали в осадок за ненужностью, сами собой.

В выступлениях наших ведущих искусствоведов прозвучали самые разные интонации: от благодушных и позитивных до подвергающих это благодушие осмысленному скепсису и трезвому анализу. Но все сходились в одном: ситуация сводится сегодня к общей для казахстанского изобразительного искусства тенденции - огромному отрыву от реальности с ее живыми людьми и приметами времени.

По этому поводу мне вспоминаются слова критика и куратора из Голландии Марии Блоем, являвшейся членом жюри 2-й годовой выставки СЦСИ, которая проходила в “Атакенте” в пору ее пребывания в Алматы. Она говорила, что этот симптом очень характерен и для современной европейской культуры.

Живопись и графика как средство для медитации слишком заполонили небосклон и давно уже набили оскомину. Такие вечные темы, как “любовь”, “материнство”, “шаманы”, “кочевники” и т.д., стали слишком затасканными, попросту говоря, банальными.

Они кочуют из картины в картину, от одного художника к другому, не меняя своей трактовки и формы. Эти популярные некогда темы, возникшие на заре возрождения национального самосознания, утратили свою свежесть.

Этнографические мотивы порой до гротеска буквальны и прямолинейны. Если ты нарисуешь юрту или верблюда или же отару пасущихся овец, не станешь от этого воистину национальным художником.

Мне приходят в голову современные китайские художники, сумевшие обратить на себя внимание европейских критиков. Это и живопись в том числе, где узнаваемые коды и знаки, раскрываемые в неожиданном аспекте, открывают для мира уникальное пространство китайской культуры.

Вспоминаются поездки в Петербург, выставки на Пушкинской, 10, где современные художники обыгрывали российские и советские мифы с такой долей артистизма и непосредственности, что просто диву даешься этой легкости и игре с историческими персонами, литературными героями, символами и знаками...

Через пластику, обновленный взгляд на сюжет, свойственную, если угодно, восточным национальностям созерцательность и локальную чистоту цвета, зримо возникающую энергию и “новые” для искусства образы, взятые из окружающей нас жизни простых людей, мы можем нащупать настоящее и обновить свой художественный арсенал.

Обмануть неискушенного зрителя, потенциального покупателя, спонсора или мецената можно. Но только на время, которое все расставит по своим местам.

Сидящий во мне критик говорит живущему во мне художнику: “Иногда ты бываешь слишком декоративна, порой впадаешь в лиризм. Темы твоих графических листов, лет десять назад казавшиеся необычными, утратили свежесть. Где та острота, которая присутствует в твоих же работах в области “современного искусства”, где концептуальность, лаконичность и чистота идеи?”

Задетый за живое художник пока только думает, что же ответить и как соединить язык современного искусства, станковую живопись и графику и нужно ли это делать вообще, оправдывая эту несоединимость тем, что это разные жанры.

Еще раз хочу подчеркнуть, что мы говорим об искусстве как о движущемся процессе, где есть место поиску и эксперименту, а не как о застывшей материи, давно законсервированной в своих канонах и формах...

Вспоминаю беседы с Джейн Шарп, искусствоведом, профессором Ратгерского государственного университета штата Нью-Джерси: “Да, искусство - это роскошь, конечно. В Нью-Йорке очень много художников. И большинство их из обеспеченного сословия. У них всегда была возможность быть творцами, не заботясь о хлебе насущном. Наше изобилие художников объясняется экономическим благополучием. У нас художники не живут своими произведениями. И это тоже является какой-то свободой. Они часто работают слесарями, строителями, многие работают с компьютерами, интернет-дизайном...”

Эти слова еще раз подтверждают мои ощущения, что, желая понравиться, вы хотите угодить, а угождая - перестаете быть свободным, независимым и ищущим художником. Конечно, ситуация не из простых.

Так вытащите свое отношение к реальному миру наружу через свои произведения. Обнаружьте свою реакцию. Покажите свою инаковость. Еще раз вспомните выставку “Перекресток-89”. Сколько откровений, порыва и страсти, нервов и поиска? Вспомните лучшие “Парады галерей”. Лучшие выставки Союза художников. И где все это теперь?

Возможно, это передышка не только перед новым сезоном, но и перед каким-то, хотелось бы верить, новым этапом, у порога которого стоит наше искусство?